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segunda-feira, 3 de junho de 2013

7ª série - Natureza morta - pintura

A natureza-morta é um gênero das artes visuais que tem como tema central os objetos inanimados, com o propósito não só mostrar as qualidades de suas formas, cores, composições e texturas, mas que tem o interesse e a intenção em decorar as casas. Outro impulso à natureza-morta veio da necessidade documental de se retratar as observações e descobertas científicas de cada período histórico. 

"Por volta de 1300, começando com Giotto e seus alunos, a natureza-morta foi revivida na forma de nichos de ficção sobre pinturas de murais religiosas mostrando objetos do cotidiano. Por toda a Idade Média e Renascimento, a natureza-morta na arte ocidental permaneceu essencialmente um adjunto cristão para assuntos religiosos e convocava significado religioso e alegórico. Isso foi particularmente verdadeiro no trabalho de artistas do Norte da Europa, cujo fascínio com o realismo ótico altamente detalhado e simbolismos levou a uma grande atenção excessiva ao tema de suas pinturas. Pintores como Jan van Eyck, muitas vezes utilizavam ainda elementos da vida como parte de um programa iconográfico.
O desenvolvimento da técnica de pintura a óleo por Jan van Eyck e outros artistas do Norte da Europa tornou possível pintar objetos do cotidiano de forma hiper-realista, devido à secagem lenta, a mistura e as qualidades de camadas de cores. Entre os primeiros a se libertar do significado religioso está Albrecht Dürer, que também fez desenhos precisos de flora e fauna.
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"Santo Elígio em sua oficina ourives" de Petrus Christus (1449)
O retrato de Petrus Christus de noivos visitado um ourives é um exemplo típico de uma natureza-morta de transição, ainda mostrando conteúdo religioso e secular. Embora a maior parte da mensagem seja alegórica, a descrição do casal são realistas e os objetos mostrados (moedas, vasos, etc)  são pintadas com precisão, enquanto o ourives é na verdade uma representação de St. Eligius e seus objetos fortemente simbólicos. Outro tipo semelhante de pintura é o retrato de família combinando figuras com uma mesa bem servida de alimentos, simbolizando tanto a piedade dos seres humanos quanto suas graças pela abundância de Deus. Nesta época, simples representações de figuras (sem significado alegórico) estavam começando a ser pintada. Outro passo em direção à vida autônoma, era a pintura de simbólicas flores em vasos em planos de fundo de retratos seculares em torno de 1475.

Século 16

O século 16 testemunhou uma explosão de interesse pelo mundo natural e a pródiga criação de enciclopédias botânicas com gravação das descobertas do Novo Mundo e da Ásia. Este também foi o início da ilustração científica e da classificação de amostras. Objetos naturais começaram a ser apreciadas como objetos individuais de estudo, além de quaisquer associações religiosas ou mitológicas.
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"Natureza-morta com cesta de frutas, conchas e insetos" de Balthasar van der Ast (1629)
A recente ciência de medicamentos de herbáceas também começou neste momento e assim, uma extensão prática deste novo conhecimento. Clientes ricos colecionavam espécies animais e minerais, criando extensas curio cabinets, uma peça de mobília que lembram vitrines. Estas amostras serviram como modelos para pintores que procuravam realismo e novidade. Conchas, insetos, frutas exóticas e flores começaram a ser coletados e comercializados, novas plantas, como a tulipa (importada para a Europa da Turquia) foram celebradas em pinturas.
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"Vaso com Tulipas" de Ambrosius Bosschaert (1657)
A explosão de cultivos teve interesse generalizado na Europa e os artistas aproveitaram  para produzir milhares de pinturas de naturezas-mortas. Algumas regiões e côrtes tinham interesses particulares. A representação de cítricos, tinham valor especial para a côrte Médici em Florença, Itália. Esta grande difusão de espécies naturais e o crescente interesse na ilustração natural em toda a Europa, resultaram na criação quase simultânea de naturezas-mortas pinturas em torno de 1600.
Na segunda metade do século 16, a vida autônoma ainda evoluiu. Gradualmente, o conteúdo religioso diminuiu em importância e colocação nestes pintura, apesar de lições de moral continuarem como subcontextos. Um exemplo é “o Açougue”, de Joachim Beuckelaer (1568), uma descrição realista de carnes cruas dominam o primeiro plano, enquanto uma cena de fundo transmite os perigos da embriaguez e luxúria. O tratamento de Annibale Carracci ao mesmo assunto em 1583, também chamado “O Açougue” começando a remover as mensagens morais, assim como “Cozinha de mercado” outras pinturas ainda a vida deste período.

Século 17

Apesar da pintura de natureza-morta italiana estar ganhando popularidade, o gênero permaneceu historicamente menos respeitado do que a pintura de assuntos históricos, religiosos e míticos. Acadêmicos de destaque do início do século 17, como Andrea Sacchi, diziam que o gênero não merecia grandes méritos. Por outro lado, artistas italianos de sucesso encontraram patrocínio suficiente neste mesmo período. Além disso, pintoras, as poucas existentes na época, comumente escolhiam ou foram restritas à pintura de natureza-morta. Garzoni Giovanna, Laura Bernasconi, Maria Theresa Van Thielen e Fede Galizia são exemplos notáveis.
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"Cesta de Frutas" de Caravaggio (1599)
Muitos dos principais artistas italianos de outros gênero, também produziram algumas pinturas de flores e frutos. Em particular, Caravaggio aplicou sua forma influenciada pelo naturalismo, para criar suas naturezas-mortas. Sua “Cesta de Frutas” (c. 1595-1600) é um dos primeiros exemplos. Apesar de não ser abertamente simbólico, esta pintura foi adquirida pelo cardeal Borromeo e pode ter sido apreciada tanto por razões religiosas quanto estéticas.
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"Natureza-morta com com taça dourada" de Willem Claeszoon Heda (1635)
Jan Bruegel pintou “O grande buquê milanês” (1606) para este mesmo cardeal, alegando ter feito ‘Fatta tutti del natturel‘ (“feito todo ao natural”) e até cobrou a mais pelo esforço “adicional”. Estas foram algumas das pinturas da coleção do cardeal, além de sua grande coleção de objetos antigos. Entre outros italianos, Bernardo Strozzi criou “A cozinha”, uma “cena de cozinha” à maneira holandesa, com muitos detalhes.

Século 18

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"Atributos da Música" de Anne Vallayer-Coster (1770)
Por volta do século 18, as conotações religiosas e alegóricas praticamente desapareceram das natureza-mortas, evoluindo para representações calculadas, com variadas cores e formas, exibindo alimentos do dia-a-dia. A aristocracia francesa empregou artistas para executar pinturas abundantes e extravagantes, também sem a mensagem moralitas vanitas de seus antecessores holandeses. O estilo rococó levou a um aumento na apreciação francesa pelo trompe-l’oeil (em francês: “enganar a vista”). As pinturas de Jean-Baptiste Chardin ainda empregavam uma variedade de técnicas do realismo holandês com suas harmonias suaves.
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"Natureza-morta com flores sobre mesa de mármore" de Rachel Ruysch (1716)
A maior parte do trabalho da francesa Anne Vallayer-Coster foram naturezas-mortas, no decorrer dos séculos XVII e XVIII. Vallayer-Coster inovou com linhas grossas, simulações de texturas e cores bem varidas, o que lhe garantiu algum sucesso e atraiu a atenção da Academia Real e de muitos colecionadores. Essa interação entre arte e natureza foi bastante comum na natureza-morta holandêsa, flamenga e francêsa. O trabalho de Anne revela uma clara influência de Jean-Baptiste-Siméon Chardin, bem como de mestres holandeses do século 17, mas o que fez o estilo Vallayer-Coster se destacar de outros pintores de natureza-morta, é seu modo único de criar ilusionismos e composições.
O final do século XVIII e a queda da monarquia francesa fecharam as portas para as pinturas de Vallayer-Coster e abriram para seu novo estilo de florais.Tem sido argumentado que este foi o ponto alto de sua carreira e quando se tornou mais conhecida ou mesmo que suas pinturas de flores foram inúteis para sua carreira.

Século 19

Com o aumento da importância das academias europeias, sobretudo a Académie française, que realizou um papel central na arte acadêmica, a pintura de natureza-morta começou a declinar. As Academias seguiam a doutrina da Hierarquia de Gêneros”,que considerava o mérito artístico de uma pintura pelo seu tema. No sistema acadêmico, a mais elevada forma de pintura deveria trazer composições com importância histórica, bíblica ou mitológica, e todas representações de natureza-morta ficaram relegadas para a ordem mais baixa de reconhecimento artístico. Em vez de usar a natureza-morta para glorificar a natureza, alguns artistas, como John Constable e Corot Camille, escolheram paisagens para servir a esse fim.
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"Natureza-morta" de Henri Fantin-Latour (1866)
Quando o Neo-classicismo começou a entrar em declínio por volta de 1830, a pintura de retratos e de gêneros se tornaram o foco das revoluções artísticas do Realismo e do Romantismo. Muitos dos grandes artistas da época incluía, a natureza-morta em seu leque de trabalhos. As pinturas de natureza-morta de Francisco Goya, Gustave Courbet e Delacroix Eugène transmitiam uma corrente emocional forte, são menos preocupadas com exatidão e mais interessados na atmosfera da cena. Embora padronizadas como as naturezas-mortas de Chardin, Édouard Manet são fortemente tonais e claramente seguem em direção ao impressionismo. Henri Fantin-Latour, usando uma técnica mais tradicional, era famoso por suas requintadas pinturas de flores e ganhou a vida quase que exclusivamente com pinturas de naturezas-mortas para colecionadores.

No Brasil

"Natureza-morta" de Albert Eckhout (1666)
Na história da arte brasileira as composições com frutas e vegetação de Albert Eckhout (1666) encontram-se entre as primeiras naturezas-mortas realizadas. É possível acompanhar o gênero durante o século XIX, com as produções de Agostinho da Motta (1824-1878) e Estêvão Silva (ca.1844-1891), significativos pintores no contexto carioca.
Já em São Paulo, na primeira metade do século XX, destaca-se a produção de Pedro Alexandrino (1856-1942). Com os artistas reunidos no Núcleo Bernardelli e Grupo Santa Helena, nas décadas de 1930 e 1940, o gênero ganha nova importância na arte brasileira. Nos anos de 1950, Milton Dacosta (1915 – 1988), Maria Leontina (1917 – 1984), Iberê Camargo (1914 – 1994), entre outros, realizam naturezas-mortas."


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E continuamos pintando... 












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